Соотнеси сочинение композитора и вид искусства на основе которого оно создано

Новая музыка выросла из старой. но и не только. есть в новой и чего-то такого, чего у старой не было.
  • Новая музыка выросла из старой. Но и не только. Есть в новой и чего-то такого, чего у старой не было. У старой же – тоже было чего-то, только ей присущее. Мне кажется, что музыка хотя и искусство абстрактное, но поскольку делается людьми, то и неизбежно, что она в чем-то (а по сути – во многом) отражает перемены времени. Так было и в 60х годов, так есть и сегодня. Тогда, “новая” музыка хлынула и без особого сопротивления подчинила всю тогдашнюю молодежь, этим образовав истинную пропасть между поколениями. Этим отметилась и черта, которая разделила мир на старый и новый. Музыка, вероятно, всегда была чем-то, что влияло на людей, но кажется, что никогда это не было таким сильным, как в той поры. Тогда музыку эту у нас называли “идеологической диверсией”. Она и была таковой. Ей ничто не смогло противостоять. Музыка преодолела железный занавес и тем самым разрушила его далеко за самом символическом падений истинной стены. Тем самым она приобрела значением, которое выходит далеко за рамки самой музыкой. То было особое значение той и только той музыки, причем только для нас, людей по нашей стороны занавеса.
    Про сегодняшнюю музыкого этого конечно уже сказать нельзя. Зато, сейчас она имеет другое значение и является показателем других явлений. Кроме всего прочего, музыка битлов и всех остальных приобрела такое гипертрофированное значение для молодых людей 60х годов главным образом кам символом “настоящей жизни” – того, чего у нас не было и того, чего мы думали и есть таковой, в противовес нашей, “условной”. Тогда (и долго еще после этого) не давали себе отчета про “консумативном обществе”, про “обществе перезадоволенности”, про “дегуманизацией общества” и т.п. Что и было символическое значение той музыки для тех молодых людей, живших “туда”.
    Подобная этой музыки, есть и сегодня. Музыка, которая – в резонанс со временем – тоже отражает тот воздух, котором мы сегодня дышим. Эта музыка гораздо более и несравнимо сложней, чем музыка 60х, в ней есть и энтусиазм, и чувство, и страсть. Каждый истинный любитель может назвать много таких исполнителей для себя. В том же времени, есть и музыка официальная, назовем ее так. Которая имеет чисто коммерсиальное значение, на первый взгляд, а в сущности исполняя роли истинного орудия для формирования нового консумативного общества. Эта связь, хотя и не новая, но мысль о том как-то не нравится мне. Она (музыка таковая) хотя и иногда может и понравиться, но имеет свойство быстропреходности. Была – и канула в небытия.

  • «Новая» жизнь «старой» музыки
    Единственно возможный комментарий к музыкальному сочинению – другое музыкальное сочинение…
    (И. Стравинский, композитор)
    Давайте снова обратимся к противопоставлению «классическое – современное» и задумаемся над тем, что же всё-таки представляет собой «современная музыка». Можем ли мы считать, что это понятие исчерпывается только теми видами, которые служат пользе или комфорту? Не бывает ли в жизни любого человека ситуации, когда он нуждается в музыке не просто как в украшении, а ищет присущих ей глубоких смыслов? К какой музыке он обращается в подобных случаях?
    Существует наблюдение, что сегодня наиболее востребованной «серьёзной» музыкой является музыка прошлого. Наиболее исполняемыми композиторами являются такие мастера, как В. А. Моцарт, П. Чайковский, Ф. Шуберт, И. Брамс, и другие мастера ушедших столетий.
    Является ли музыка этих композиторов современной в наши дни?
    Прослушивание
    Франц Шуберт. Симфония №8 «Неоконченная», I часть (фрагмент)
    Послушайте фрагмент из «Неоконченной» симфонии Франца Шуберта и попробуйте объяснить, понятна ли эта музыка современному человеку. Обратите внимание на характер темы вступления, которая проходит через всю первую часть. В ней нет твёрдости и определённости, она таит какой-то неведомый вопрос. Вероятно, это вопрос, который тревожил героя – современника Шуберта. Однако можем ли мы сказать, что для современного человека он звучит неактуально?
    Примечательно, что жизнь этой симфонии продолжается и поныне. Она не только входит в число часто исполняемых произведений на концертных сценах всего мира, но и звучит в театральных постановках и кинофильмах. Например, знаменитый японский кинорежиссёр Акира Куросава включает «Неоконченную» симфонию в композицию своего фильма «Великолепное воскресенье». В этой лирической картине рассказывается о двух юных влюблённых, которые пытаются весело прожить выходной день, не имея ни денег, ни еды, ни крова. Зато они полны любви, а потому счастливы. В финале, когда герой для своей избранницы, единственной слушательницы, дирижирует воображаемым оркестром в парке на заброшенной эстраде, происходит чудо. В пространстве кадра для них действительно начинает звучать «Неоконченная» симфония Ф. Шуберта.
    Однако сегодняшняя жизнь этого произведения не исчерпывается новыми вариантами интерпретаций (интерпретация – здесь: истолкование смысла произведения), в том числе театральных или кинематографических. Само название «Неоконченная», вероятно, побуждает современных композиторов «дописать» то, что в своё время «не закончил» Шуберт. На самом деле симфония вполне «оконченная». Её необычность состоит в том, что в ней две части вместо четырёх, однако это вполне осознанное композиционное решение самого автора.
    Это, кстати, относится не только к данной симфонии гениального композитора. Существует опыт композитора Эдисона Денисова по завершению неоконченной кантаты Шуберта «Лазарь», а также сочинение итальянского композитора Лучано Берио «Rendering» («Истолкование»), созданное на основе набросков Шубертовской Десятой симфонии. Некоторое время спустя ученик Денисова Антон Сафронов дописал две «недостающие» части к «Неоконченной» симфонии.
    Классическая музыка продолжает жить в современности – наряду с той музыкой, которая создаётся сегодня. Она подвергается новым интерпретациям, получает свежее звучание на театральных сценах и в кинозалах, нередко её можно услышать в самом неожиданном контексте, например в рекламном ролике. Она вошла в современный звуковой мир. Однако означает ли это, что сегодня такая музыка стала частью бытовой среды?
    У русского писателя Виктора Астафьева есть такое рассуждение.
    «Музыка, быть может, самое дивное создание человека, его вечная загадка и услада. Никто так близко, как музыкант, не соприкоснулся с подсознанием человеческим, – той самой не отгаданной материей и вечной тайной, что живёт в нас, тревожит и волнует…
    Музыка возвращает человеку всё лучшее, что есть в нём и пребудет на земле. Я думаю, что музыку человек, может быть, услышал раньше, чем научился говорить. Возникает крамольная мысль, что вначале был шум ветра, плеск волн, пенье птиц, шелест травы и звон опадающей листвы. И только переняв у природы звук, человек сложил из него слово.
    Музыка и природа – это самое верное, святое и неизменное, что осталось с человеком и не даёт ему окончательно одичать. Я имею в виду настоящую музыку, а не то бесовство, не ту оглушающую вакханалию (вакханалия – здесь: разгул, неистовство), которая закружила человека в бездумной дикой пляске, ввергла его в какое-то инстинктивное подражание воющему и ревущему зверю, которому пришла пора напомнить, откуда мы взялись и чей образ и подобие утратили».
    Следует ли из этих слов, что под словом «вакханалия» писатель понимает всю современную музыку? Или нам ещё предстоит понять, насколько она сложна и многообразна? Об этом мы поговорим на последующих страницах нашего учебника.
    Вопросы и задания:
    Согласен ли ты, что современная музыка служит разным целям – от возвышенных до сугубо развлекательных?
    Прочти внимательно высказывание В. Астафьева. Как ты думаешь, о какой музыке говорит писатель, называя её «дивным созданием», – только ли о классической?  Применимо ли это высказывание к музыке «Неоконченной» симфонии Ф. Шуберта?
    Отвечает ли, по-твоему, «Неоконченная» симфония мыслям и духовным запросам нашего современника? Каким именно?
    Как ты считаешь, почему звучание «Неоконченной» симфонии стало именно кульминацией фильма А. Куросавы «Великолепное воскресенье»?
    В трагедии А. Пушкина «Каменный гость» есть такие строки:
    Одной любви музыка уступает;
    Но и любовь мелодия…
    Возможно ли отнести эти слова к звучанию «Неоконченной» симфонии в контексте событий фильма А. Куросавы?
    Почему современные музыканты снова и снова обращаются к музыке прошлого? Знаешь ли ты другие примеры современной интерпретации классической музыки?

  • марина субботина
    Эссе на тему «Музыка в жизни людей»
    Музыка открывает человеку дверь в другой мир. В этом мире можно обойтись без слов – здесь царят звуки. Музыка успокаивает или возбуждает, веселит или заставляет грустить. Она владеет душой человека, если тот способен её слушать. А “глухих” к музыке людей практически нет.
    Музыка — самое таинственное из всех искусств. Она способна выражать тончайшие движения души, неподвластные слову. Не каждому дано понимать музыку, в сложных созвучиях искать отражение собственных переживаний. Однако, слушая музыку, каждый человек чувствует, что она говорит с ним и говорит о нём, и говорит что-то очень важное.
    Музыка заставляет замирать зал, внимающий нежным звукам скрипки или мощным звукам целого оркестра. Она звучит внутри нас, и мы поём “домашними” голосами, а то и вовсе без них, потому, что желаем выразить свои чувства таким образом. Музыка — это не только отдельный вид искусства. По-моему, музыка есть везде, где живёт человеческая душа, нужно только её услышать. Она — и в тёплом весеннем ветре, и в тихо падающих каплях дождя, и в шелесте травы. Скрытую музыку природы умели слушать русские поэты:
    Улыбается осень сквозь слёзы,
    В небеса улетает мольба,
    И за кружевом тонкой берёзы
    Золотая запела труба.
    Так волнуют прозрачные звуки,
    Будто милый твой голос звучит…
    А. Блок.
    Чем же объясняется её необыкновенная власть над человеком? Может быть, она и есть тот самый универсальный язык, с помощью которого могут без переводчика общаться люди разных национальностей? Учёные установили, что музыкой можно лечить, с её помощью можно улучшить усвоение новой информации, но всё-таки главное её предназначение – касаться глубоких струн человеческой души и звучать в гармонии с окружающим миром.
    Музыка — основа духовной жизни. Для меня музыка — это ощущение гармонии самых сложных переживаний, полноты и спаянности всего со всём. Музыка — это радость и единение.
    «Музыка — самая живая из живого, и она приводит нас к мысли о том божественном начале, которое есть в каждом человеческом сердце, и к мысли о той красивой правде жизни, которую мы властны, создать, когда мы свободны, когда мы любим, друг друга в единении и понимаем, что все мы равны перед высоким Солнцем, как все цветы и все травинки равно имеют свою долю от солнечного света и свежих капель весеннего дождя. Музыка и песня всегда живут в душе нашей.» К. Бальмонт.

  • В жизни каждого человека музыка играет особую роль. Она сопровождает нас от самого рождения. Чтобы наш сон был крепким мама пела нам колыбельную в детстве. Затем мы учили веселые песенки в садике. А позже у нас начали формироваться музыкальные пристрастия. Одни без ума от аккордов тяжелого рока, другие предпочитают легкую популярную музыку. Кто-то связывает с ней свою жизнь и учится в музыкальной школе, а далее в университете. Другие просто слушают ее в наушниках по дороге в школу, университет, на работу.
    Мне кажется, что очень сложно найти человека, который равнодушен к музыке. Ведь она вдохновляет людей, напоминает о каких-то важных событиях из жизни, мотивирует, поднимает настроение. Когда мне тяжело выучить какое-то стихотворение, я всегда включаю классические произведения, и они помогают настроиться на учебу. Эта музыка по-особенному прекрасна. Она задевает струнки нашей души и влияет на настроение и восприятие мира. Мне кажется, что классическая музыка наполнена высокими чувствами и благородными порывами. Ведь в мелодиях композиторы отражают свои переживания. Под звуки скрипки и фортепиано я всегда мечтаю, а вот сильные аккорды заставляют меня задуматься и загрустить. Мама говорит, что классика делает нас духовно богаче.
    Музыка помогает нам развить чувство прекрасного. Она сближает людей. Мы часто собираемся семьей за столом и начинаем петь разные песни. Даже когда к нам в гости приходят малознакомые люди, то они без всякого стеснения подпевают и это помогает устранить барьеры, которые мешают общению.
    Мой музыкальный вкус еще не сформировался. Мне нравится подпевать популярным певцам, слушать аккорды классической музыки, а иногда хочется послушать записи знаменитых рэперов. Поэтому знакомые всегда удивляются, когда видят постеры, наклеенные на стенах моей комнаты или же мой плей-лист.
    В моей жизни музыка играет очень важную роль. Когда я грущу, включаю веселую песню, подпеваю исполнителю и танцую. Таким образом мое настроение заметно улучшается.А еще у нас с подружками есть традиция. Мы собираемся раз в две недели, включаем музыку и с расческой в руках представляем себя исполнителями песен.
    Каждое мое утро начинается с веселой песни. Мне кажется, что важно с утра получить порцию хорошего настроения, чтобы день прошел удачно. Приходя домой после школы, первым делом я включаю радио. Песни разных жанров помогают мне настроиться на выполнение домашнего задания и отдохнуть от уроков.
    Моя жизнь не была бы такой интересной без музыки.

  • Автор: Мария Егорова
    “Музыка – часть нашей жизни”.
    Слово «музыка» в переводе с греческого означает «искусство муз». Музыка – это вид искусства. У каждого искусства имеется свой язык: живопись говорит с людьми при помощи красок, цветов и линий, литература – при помощи слова, а музыка – с помощью звуков. В мир музыки человек погружается с детства. Музыка оказывает большое влияние на человека. Совсем еще маленький ребенок может вдруг заплакать под грустную мелодию и засмеяться под веселую, или весело запрыгать, хотя он еще не знает, что такое танец. Какие только чувства не выражает человек с помощью музыки!
    Музыка тесно связана с разными видами искусства: литературой, изобразительным искусством (живописью, скульптурой). Взять хотя бы живопись. Нередко, рассматривая различные картины и всматриваясь в них, мы можем внутренним слухом услышать ту или иную музыку, звучащую в нашем воображении, где зрительный образ переходит в музыкальный. В литературе, в свою очередь, многие стихи писались для того, чтобы потом на них была положена музыка. Писателями и поэтами создано множество литературных произведений, в которых рассказывается о музыке. На этих простых примерах мы видим, что музыка оказывает огромное влияние на другие виды искусства.
    Музыка – частица нашей жизни. Она прежде всего рассказывает о человеке, о людях в целом, выражает их чувства и мысли, рисует их характер – воплощает все то, что связано с человеком. Жизнь рождает музыку, а музыка воздействует на жизнь. Музыка может изменить отношение человека к жизни, укрепить его силу воли, воспитать в нем благородство, доброту; под влиянием музыки в человеке может возрасти или, наоборот, упасть трудовая энергия. Прекрасная музыка может украсить жизнь, сделать человека лучше, добрее, разделить с ним и горе, и радость.
    Музыка хранит в себе много загадок и тайн.
    Интересно, что одно и то же произведение мы воспринимаем по-разному, каждый по-своему. Мы выделяем для себя более доступные и близкие произведения, которые легко слушаются и понимаются. Это запоминающиеся мелодии и зажигательные ритмы. А также серьезная музыка, которая требует к себе особого отношения, – например, симфонии Бетховена или реквием Моцарта. Музыка может быть для человека и развлечением, и «учителем».
    Самая разная и при самых разных условиях звучит в нашей жизни музыка. Без нее нет радио, телевидения, кино, музыкой наполнены концертные залы. Мы слышим ее везде: в детских садах и ш колах, на спортивных соревнованиях, в цирке, в местах для отдыха, в парках, дома, в поездах, в самолетах. Ее любили, любят и будут любить всегда, ведь музыка – это часть нашей жизни.

  • Музыка появилась в моей жизни задолго до того, как я научился различать разные стили и направления, узнал о творчестве великих композиторов и музыкантов. Первой мелодией, которую я помню до сих пор, была мамина колыбельная. Когда слова заканчивались, мама тихо напевала ла-лала-ла-ла, и ее мелодичные напевы успокаивали меня и, наверняка, положили начало моему хорошему отношению к музыке. Потом были музыкальные спектакли и пьесы, любимые детские песни и первые кумиры.
    Мой вкус менялся одновременно с возрастом, сегодня мне нравился рок, завтра поп-музыка, через неделю я готов был отдать последние деньги за записи известных рэперов, иногда под настроение слушал рэгги, а уроки делал под популярные песни, доносящиеся с радио-каналов. И всё время мне казалось, что без музыки мой мир будет несовершенным, как бывает отталкивающей холодная красота без теплой улыбки, или становится скучным море без шторма и белых барашек волн.
    Музыка в моей жизни играет важную роль. Когда становится грустно, то я включаю какую-нибудь веселую и популярную песенку, незаметно начинаю ее напевать, и настроение повышается буквально через несколько минут. Интересно то, что одновременно с модными стилями музыки, которым отдают предпочтение мои сверстники, я люблю произведения известных композиторов-классиков. Звуки скрипки и фортепьяно пробуждают в моей душе смешанные чувства. С одной стороны, мне кажется, что я парю над облаками и предаюсь мечтам, вслушиваясь в легкие переливы, перезвон и сильные аккорды, а с другой – тревожная или трогательная мелодия затрагивает все струны души и вызывает слезы. Но такое настроение быстро проходит, потому что я понимаю, что музыкант отразил часть своего мира и своих переживаний и передал слушателям мысли и эмоции при помощи нот.
    Классическая музыка, на мой взгляд, это искусство, открывающее целый мир страстей и эмоций, высоких чувств и благородных порывов. Она делает людей духовно богатыми и раскрашивает жизнь новыми и яркими красками. Талантливые музыканты, как никто другой, умеют выразить в музыке печаль и радость, легкость и разочарование, капризы природы или переживания, свойственные влюбленным. Если хорошую мелодию дополнить словами, то получается произведение, которое овладевает сердцами огромного количества людей, его долго помнят и прослушивают снова и снова, до тех пор пока каждое слово и каждый звук не обретет новый смысл.

  • МБОУ ДО «Рыльская ДШИ»  Курской области
    Эссе
    «Музыка в моей жизни»
    Выполнила: Пупкова Надежда                                      обучающаяся 7 класса
    фортепианного отделения
    Руководитель:
    Тивина Елена Георгиевна
    преподаватель
    теоретических дисциплин
    Рыльск, 2016 год
    «Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями, способствует полёту воображения; музыка придает жизнь и веселье всему существующему… Её можно назвать воплощением всего прекрасного и всего возвышенного».
    Платон
    Что такое музыка? У разных народов, в разных странах, на разных языках о музыке говорят, как о великой тайне. И с этим нельзя не согласиться. Обладая сильным воздействием на внутренний мир человека, она может доставлять наслаждение или, напротив, вызывать сильное душевное беспокойство, побуждать слушателей к размышлениям и открывать перед ними неизвестные ранее стороны жизни. Именно музыке дано выразить чувства столь сложные, что их порой невозможно описать словами.
    Лично для меня музыка – это что-то безграничное, манящее, полное тайн и загадок. Это самое великолепное искусство в моей жизни!  Это мир фантазии и глубоких чувств.
    Мой интерес к музыке начал проявляться ещё в раннем детстве. Когда к нам приходили гости, мне очень нравилось выступать перед ними на любых праздниках, петь им мои любимые песни.
    Вскоре я начала ходить в музыкальную школу на фортепиано. Каждый день приносил мне радость. Казалось, будто я попала в какую-то сказку. Самый первый успех в музыкальной школе – «Клоуны»                   Д.Б. Кабалевского, в  котором композитор с помощью музыкальных красок рисует нам двух клоунов – весёлого и грустного. Это  небольшое  произведение, которое я впервые в жизни сыграла на концерте. Помню, как я вошла  в зал. Как же красиво падал свет с большой люстры на белые клавиши рояля! Я исполнила пьесу и услышала громкие аплодисменты зрителей. Для меня это был такой большой восторг! Потом я ещё много раз выступала на концертах, но именно этот запомнился мне на всю жизнь!
    Музыка в моей жизни играет важную роль. Когда становится грустно, то я включаю какую-нибудь весёлую и популярную песенку, незаметно начинаю её напевать, и настроение повышается буквально через несколько минут.
    Мой вкус менялся  одновременно с возрастом, сегодня мне нравилась поп-музыка, а завтра  рок – жанр, объединяющий элементы поп-музыки и рок-музыки.  Иногда под настроение слушала регги. И всё время мне казалось, что без музыки мой мир будет несовершенным.
    У меня есть очень много любимых произведений. Одно из них – «Либертанго» Астора Пьяцоллы.
    Астор Пьяццола – аргентинский музыкант и композитор, родился в городе Мар-дель-Плата. Он не только занимался музыкой, но и увлекался актёрской деятельностью. В юные годы Астор снялся в эпизодической роли в фильме «День, когда ты меня полюбишь». Своё «Либертанго – «Танго свободы» он написал в 1974 году.  Это оркестровые вариации на очень короткую музыкальную тему.  Музыканты  исполняют  её на разных инструментах, получается очень длительная и очень яркая, бесконечная импровизация. Когда я слушаю эту музыку, мне представляется аргентинский танец «Танго» – яркий, страстный, зрелищный.
    Также мне очень нравится произведение «Любовь»   О. Туссен и Поль де Сенневиль. Играя его на фортепиано,  я отвлекаюсь от разных трудностей, проблем и погружаюсь в эту полную очарования, завораживающую мелодию.
    Слушать музыку и чувствовать каждый её оттенок прекрасно. Музыка  делает нас лучше и добрее. Мне кажется, что музыка есть везде, где живёт человеческая душа, нужно только её услышать.
    Ветер чуть слышно поёт,
    Липа вздыхает у сада…
    Чуткая музыка всюду живёт –
    В шелесте трав,
    В шуме дубрав –
    Только прислушаться надо…
    Вадим Семернин
    Существует множество областей музыки: классика, рок, джаз и другие. На мой взгляд, самая сложная область профессионального музыкального искусства – классическая музыка, которую часто называют академической. Её довольно сложно исполнять, потому что нужно передать все авторские задумки, донести главную мысль.
    Классическая музыка  –  это искусство, открывающее целый мир страстей и эмоций, высоких чувств и благородных порывов. Она делает людей духовно богатыми и раскрашивает жизнь новыми и яркими красками.
    Талантливые музыканты, как никто другой, умеют выразить в музыке печаль и радость, светлые мечты и разочарование, капризы природы или переживания, свойственные влюблённым. Если хорошую мелодию дополнить словами, то получается произведение, которое овладевает сердцами огромного количества людей, его долго помнят и прослушивают снова и снова, до тех пор пока каждое слово и каждый звук не обретёт новый смысл. Именно поэтому я просто обожаю классику. Но музыка не может существовать без автора, композитора. А если мы любим музыку, то и любимый композитор, наверняка, есть у каждого. Таким  композитором для меня является Георгий Васильевич Свиридов. Он  мой земляк, потому что родился в городе Фатеже Курской области. Это совсем недалеко от моего родного города Рыльска,  в котором я родилась и живу. Впервые я познакомилась с творчеством  Г.В.Свиридова, разучивая пьесу «Колдун». Произведение произвело на меня очень сильное  впечатление. Перед  нами встаёт образ злобного, ворчливого существа, который варит своё приворотное зелье и бормочет под нос заклинания, а потом несётся через поля и леса. Всё это очень  выразительно передаёт музыка.
    Очень много произведений Георгия Васильевича я слушала на уроках музыкальной литературы и дома. Среди них «Курские песни», поэма «Памяти Сергея Есенина», музыкальные иллюстрации к кинофильму «Метель», «Патетическая оратория» и ряд других. Самое сильное впечатление произвела на меня музыка к кинофильму Михаила Швейцера «Время вперёд!», рассказывающем о строительстве Магнитогорска. Каждый человек слышал её в своей жизни много раз, но мало кто из современной молодежи знает, что написал её  именно Г.В.Свиридов.
    Трудно передать те эмоции, которые я испытала, узнав автора знаменитой заставки на программу «Время». Я знаю, что именно это произведение использовалось в постановке церемонии открытия XXII Зимних Олимпийских игр в Сочи.
    16 декабря 2015 года отмечалось 100-летие со Дня рождения Георгия Васильевича Свиридова. Композитор получил всенародное признание и любовь у своих зрителей и слушателей. За свою творческую жизнь композитор был удостоен множества престижных премий и вошёл в историю  музыки как Величайший Композитор современности.
    Большой интерес вызывает  у меня творчество Рахманинова.  Сергей Васильевич Рахманинов – гениальный композитор, выдающийся пианист-виртуоз и дирижёр, имя которого стало символом русской национальной и мировой музыкальной культуры. Он родился в дворянской семье. Жил недалеко от Новгорода. Музыкальные способности Рахманинова  проявились в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать. Затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская, благодаря которой осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт – Петербургской консерватории в класс В. В. Демянского. Обучение шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву, и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н.С. Звереву. Ученики  Николая Сергеевича  Зверева жили в его доме бесплатно. Он их кормил, одевал, учил, водил в театры, музеи, на концерты, летом вывозил на дачу и даже в Крым. В дом Зверева Рахманинов вошёл двенадцатилетним мальчиком, а вышел оттуда  шестнадцатилетним музыкантом. Находясь в доме своего учителя, Сергей Васильевич Рахманинов получил неоценимую жизненную и профессиональную школу. В возрасте 19 лет Рахманинов окончил консерваторию как пианист и композитор с большой золотой медалью.
    Творчество Сергея Васильевича Рахманинова чрезвычайно многогранно, его наследие включает различные жанры, но  фортепьянная музыка занимает в нём особое место.  Лучшие произведения он написал для своего любимого инструмента – фортепиано. Среди них: 24 прелюдии, 15 этюдов-картин, 4 концерта для фортепиано с оркестром, «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром и ряд других.
    Я слушаю   произведения С. В. Рахманинова,  потому что  музыка  в них наполнена любовью к Родине,  русской природе; она  величественная, одухотворённая, проникновенная.  Особенно мне  нравиться  знаменитая  «Колокольная»  «Прелюдия до диез минор»  для фортепиано  и Симфоническая фантазия «Утёс».  Вслушиваясь в музыку Фантазии, я выдумываю сказку и мне очень нравится представлять всё новые и новые образы.
    Музыка – важнейшая часть моей жизни. Она тесным образом связана с моими воспоминаниями, мечтами, желаниями – самой сокровенной частью жизни моей души. Именно поэтому музыка так дорога мне, и я уверена, что она будет сопровождать меня на протяжении всей жизни. Закончить своё сочинение  мне хотелось бы прекрасными словами великого музыканта, композитора Д. Д. Шостаковича: «Любите и изучайте великое искусство музыки: оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче, чище, совершеннее. Благодаря музыке вы найдете в себе новые, неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах»[1, с.24].
    Список литературы:
    1. Алфеевская Г. История отечественной музыки ХХ века:                                      С.С. Прокофьев, Д.Д. Шостакович, Г.В. Свиридов, А.Г. Шнитке,                  Р.К. Щедрин. М., 2009. С. 24.                                                                                              2. Высоцкая Л.Н. История музыкального искусства: Учебное пособие / Сост: Л.Н. Высоцкая, В.В. Амосова. – Владимир: Изд-во Владим. гос. ун-та, 2012.  3. Рахманинов С.В. Биографии и мемуары.  М., 2010.                                                    4. Свиридов Г.В. Музыка как судьба / Сост., авт предисл. и коммент.             А.С. Белоненко.  М., Мол. гвардия, 2002.

  • Конечно, и сейчас создаются произведения, которые заставляют слушателей плакать и переживать вместе с автором, завораживают красотой мелодии или поражают тем, как точно передано наше настроение, чувства, мечты, обиды и радости. Но чаще все эти чувства и переживания все-таки передаются с помощью слов, усиливаются эмоциональным состоянием исполнителя, подчеркиваются сюжетами клипов.
    Совсем иначе воспринимаются классические произведения. Там не нужны слова, к этой музыке не снимешь клипы. В них каждый звук задевает какие-то глубокие струны души, пробуждает то, что мы долго и упорно прячем от постороннего глаза. Классической музыке мы можем доверить свои мысли, горе, радость. Не случайно О. Бальзак говорил: “Бетховен и Моцарт часто были поверенными моих сердечных тайн”. Произведения этих великих композиторов живут своей собственной жизнью, с ними, как с живым существом, можно разговаривать, спорить или соглашаться. А многих писателей и поэтов, художников и скульпторов именно классическая музыка вдохновляла на создание выдающихся произведений.
    Из наслаждений жизни
    Одной любви музыка уступает,
    Но и любовь — мелодия… —
    писал А.С. Пушкин.
    М. Ю. Лермонтов восторженно восклицал:
    Что за звуки! Неподвижно внемлю
    Сладким звукам я;
    Забываю вечность, небо, землю.
    Самого себя.
    Всемогущий! Что за звуки! жадно
    Сердце ловит их,
    Как в пустыне путник безотрадный
    Каплю вод живых!..
    Под классическую музыку не станешь заниматься уборкой, не поболтаешь с подругой за чашкой кофе. Классическая музыка заставляет погрузиться в нее целиком, овладевает всеми твоими мыслями.
    На мой взгляд, только к классическим произведениям в полной мере можно отнести слова Стендаля: “Музыка — единственное искусство, проникающее в сердце человеческое так глубоко, что может изображать переживания этих душ… Музыка, когда она совершенна, приводит сердце в точно такое же состояние, какое испытываешь, наслаждаясь присутствием любимого существа, то есть она дает, несомненно, самое яркое счастье…”
    Меняются времена, меняются люди, меняется сама жизнь. Конечно же, меняется и искусство, и, в первую очередь, — музыка. Но мне очень хочется, чтобы и в наше время композиторы сочиняли великие произведения, которые и через века будут с замиранием сердца и слезами восторга на глазах слушать люди во всех уголках нашей огромной планеты!

  • Музыка как вид искусства

    Эстетика. Тема — Музыка как вид искусства

    Содержание

    Введение

    . Характер и природа музыки как вида искусства в античном представлении

    . Анализ воздействия музыки на человека в Новое время

    . Европейское музыкальное искусство XIX в.

    . Музыкальное искусство в XX в.

    Заключение

    Список использованной литературы

    Введение

    Музыка возникла на низших ступенях общественного развития, выполняя преимущественно утилитарную роль — ритуальную, ритмическую в трудовой деятельности, способствуя при этом объединению людей в едином процессе. История музыки насчитывает тысячелетия, хотя первоначально она выступала в неразложимом единстве с поэзией и мимической пляской. Но с тех пор как возникла попытка теоретически осмыслить природу музыки, существуют разногласия и споры по этому вопросу.

    Музыка — вид искусства, рассчитанный на слуховое восприятие и отличающийся прямым и особо активным действием на чувства людей. Главным выразительным средством здесь является звук и другие стороны и компоненты музыкальной формы: мелодия, полифония, гармония, ритм, композиция и т.п.

    Музыка создает звуки особого свойства, которых нет в природе и которые не существуют вне музыки. Музыкальный звук имеет интонационную природу. Первым музыкальным инструментом был голос. Основа музыки — ритм и гармония, в своем соединении дающая мелодию. В отличие от всех видов изобразительного и словесного искусств, музыка не воспроизводит видимых картин мира и лишена смысловой конкретности. Видимо, поэтому ее можно считать подлинно общечеловеческим, универсальным «языком», не требующим перевода.

    В отличие от изобразительного искусства в музыке играют огромную роль другие искусствоведческие категории — интерпретация и исполнительство. По существу, у виртуозно исполненного музыкального произведения не один, как в живописи, а несколько «авторов», если считать композитора, исполнителя (или исполнителей), а также возможности используемых инструментов.

    1. Характер и природа музыки как вида искусства в античном представлении

    С первой развернутой попыткой определения характера и природы музыки как вида искусства мы встречаемся в «Законах» Платона, где он указывает на родство музыки с душой. Музыка не просто подражает душе, она является ее частью. И потому человек, воспринимающий музыку, находит себя в ней. При этом удовлетворить его музыкальный вкус может только музыка, родственная его душе. Природу музыки Платон относит к сфере психики, а потому термины психологии оказываются у него конкретными характеристиками музыки. Это такие понятия, как «ритм» и «мелодия», которые Платон находит, наблюдая жесты человека и слушая его восклицания в момент опасности.

    Итак, сущность музыки у Платона в том, что она отражает душевные качества. Качество же музыки мыслитель связывает с характером человека: та музыка будет высокого качества, которая создает удовольствие для хороших людей. Хорошими людьми Платон считал людей с благородной душой и самых образованных.

    Особое значение Платон придавал эстетическому воспитанию новых поколений. Музыку он считал одним из важнейших средств такого воспитания. В «Государстве» он указывает на то, что музыка особенно важна для воспитания вкуса и воображения у детей.

    Аристотель в музыке видел искусство подражательное. Он считал, что обладая ритмом и мелодией, музыка способна отображать гнев и кротость, мужество, умеренность и другие нравственные качества. Даже мелодия без слов, по мнению Аристотеля, заключает в себе этические свойства, не присущие другим видам искусства. Причину этого преимущества музыки Аристотель видел в том, что музыка способна возбуждать энергию, а энергию он считал признаком этического свойства.

    Достоинством мелодии как важнейшей характеристики музыки Аристотель считал воспроизведение характеров. Подтверждает Аристотель это следующим образом. При слушании музыкальных ладов, существенно различающихся между собой, у разных людей возникают различные настроения. Миксолидийский лад вызывает подавленное настроение, дорийский — уравновешенное, фригийский действует возбуждающее.

    Удовольствие, получаемое человеком от музыки, по мнению Аристотеля, связано с процессом очищения. В «Политике» он пишет, что, когда играя на флейте, используют фригийский музыкальный лад, то сочетание лада и волнующего тембра флейты глубоко затрагивает души людей, излечивает их, подобно лекарству, исцеляющему организм больного.

    Кроме того, считает Аристотель, музыка имеет еще более высокое назначение, Это разумное наслаждение, что, по мнению Аристотеля, делает ее учебной дисциплиной. Такой музыка является не только для юношества, но и для государственного деятеля, поскольку, ослабляя напряжение в душе, она наполняет его досуг благородным занятием и, в конечном случае, оказывается средством построения хорошего государства.

    Однако еще до Платона и Аристотеля природа музыки интересовала Пифагора (580-500 до н. э.). Пифагорейцы усматривали в музыке подтверждение своей гипотезы о том, что число — сущность действительности и изучали математическую основу музыки, что привело к созданию акустики.

    Эта наука установила, что все музыкальные звуки — следующие один за другим через определенные интервалы, — колебания воздуха, а высота звука зависит от длительности интервала.

    Другая группа пифагорейцев исследовала собственно эстетический аспект, утверждая, что музыка является подражанием, а образцом ее — гармония небесных тел. Одновременно у пифагорейцев была доктрина о душе как гармонии. Этим пифагорейцы объясняли то особое удовольствие, которое человек получает, слушая музыку.

    Душа отличается способностью к совершенствованию под воздействием музыки. Музыка, как проводник божественной мелодии, может настроить душу на извечную гармонию, и задача музыканта в том, чтобы эту гармонию передавать с неба на землю. Таким образом, будучи божественного происхождения, музыка запечатлевает эту божественность в душе слушателя.

    Пифагорейцы различали два вида музыки — мужественную и мелодичную, вызывавшие соответствующие реакции в душах людей, благодаря чему музыка оказывалась неоценимым средством формирования характера и облегчения душевных мук.

    Эти идеи пифагорийцев оказали влияние на формирование эстетических взглядов Платона, а также на всю последующую музыкальную эстетику.

    Последователь Аристотеля Аристоксен (354-350 до н.э.), о котором уже в XX в. писали, что он совершил переворот в философии музыки, утверждал, что высшим критерием музыкальных звуков служит слух человека, а природа музыкального звука определяется не длиной струны, нужной для его звучания, а его динамическим взаимоотношением с другими звуками, воспринимаемым нашим слухом. Аристоксен построил новую систему гармонии, новую систему музыкальных строев.

    2.Анализ воздействия музыки на человека в Новое время

    В Новое время интересные мысли о воздействии музыки на человека высказал Р. Декарт. В работе «Компедиум музыки» он писал, что воздействие музыкальных звуков относительно в том смысле, что если человеку приходилось слышать веселую мелодию в период бедствия, ее ритм и сама мелодия окажутся неразрывно связанными с болезненным ощущением. Человеческий голос, по мнению Декарта, является самым приятным из звуков, поскольку наиболее близок человеку. И общая тенденция в отношении музыкальных ритмов такова, что они вызывают в душе чувства, аналогичные духу музыки: медленный ритм вызывает задумчивость и печаль, живой и быстрый — радость или гнев.

    В XVIII в., когда во Франции и Италии музыка становится доминирующим видом искусства, эстетики, в первую очередь французские, такие, как Дидро и Руссо ставят вопрос о национальных особенностях музыки.

    В работе «Элементарный трактат о музыке» Дидро, сравнивая Италию и Францию, пишет о разнице национальных музыкальных вкусов, несмотря на единообразие в оценке музыкальных произведений. Анализируя эстетический вкус в отношении музыки, Дидро его критерием обозначает способность воспринимать сложные соотношения. Для анализа реакции человеческого организма на музыку Дидро создает виртуальный образ идеального слушателя, способного схватывать и мгновенно оценивать сложные соотношения высоты тона, силы и тембра, зависящие от длины, количества и формы воспринимаемых им колебаний воздуха. Дидро уверен, что для адекватного восприятия соотношения звуков необходимы образование и опыт, словом, соответствующая музыкальная подготовка. Он пишет, что крестьянин даже с хорошим слухом не сможет оценить дуэт флейтистов, в то время как мелодия каждой из флейт в отдельности не сложная для восприятия, возможно, очаровала бы его.

    Итак, в музыкальной эстетике начиная с Дидро появляется термин «соотношение». И как материалист он защищает тезис о подражании натуре в музыке. Но у него связь музыки с природой завуалирована в абстрактные определения. Руссо же открыто подчеркивал значение природы как модели для искусства, включая музыку.

    В «Письме о французской музыке» Руссо критиковал вкусы французов, неестественные и развращенные, в том числе и в музыке. Тогда же он затевает диспут с французским композитором Рамо (1683-1764) о различиях между французской и итальянской музыкой.

    Руссо восхищается итальянской музыкой как непосредственным отражением чувств и страстей народа, перенесенных в лирическую оперу. Ссылаясь на популярность итальянской музыки во Франции, Руссо вообще заявил о невозможности существования французской музыки, поскольку французский язык слишком монотонен и сух, а язык, по его мнению, является основой музыкальной мелодии.

    Главным в музыке Руссо считал арию. Он видел в ней аналог пьесы, придающий единство и смысл всему произведению. Именно ария была сильнейшим и важнейшим элементом итальянской оперы, за что Руссо и превозносил ее. Справедливости ради следует отметить, что двадцать лет спустя Руссо отрекся от своих выпадов в адрес французской музыки. Однако его позиция была отражением напряженности, существовавшей в музыкальной культуре XVIII столетия.

    Огромное воздействие музыки, ставшее особенно очевидным в XVIII в., когда музыке стало отдаваться явное предпочтение, способствовало тому, что причины такого воздействия стали предметом научного рассмотрения. Итальянский скрипач Тартини (1692-1770), французские ученые Ж.Ф. Рамо (1685- 1764) и Ж. Даламбер (1717-1783), а также российский математик Л. Эйлер (1707-1783) обратились к физиологии и математике, предваряя тем самым знаменитые исследования немецкого ученого Г. Гельмгольца (1821-1894) о физиологической основе музыке, изложенные в работе «О слуховых ощущениях».

    Наряду с небывалым расцветом музыкальной культуры в Европе, в духе века Просвещения, отмеченного острыми дискуссиями по всем вопросам общественной жизни — религии, политики, культуры и искусства, — велись острые споры и по всем вопросам музыки.

    В XVIII в. в Европе сложилось большое количество музыкальных школ и центров, наиболее известными среди которых были венская, лондонская, неаполитанская, парижская школы.

    Во Франции в XVIII в., где были созданы все условия для расцвета музыкального искусства, оно также процветало. Расширилась музыкальная аудитория, включившая в себя практически все классы общества. Особое расположение к музыке короля и его окружения, культурные претензии «новых французов», «универсальная любознательность» философов «света», ценные инициативы просвещенных любителей музыки, а также культурные обмены с Италией и германскими государствами — все это способствовало расцвету музыкального искусства.

    Повсеместно создаются музыкальные салоны, камерные оркестры. В 1750 г. во Франции впервые появляется кларнет, к струнным инструментам оркестра французский XVIII в. добавляет духовые инструменты — флейту, рожок, гобой, фагот — открытие оркестром Мангейма, познакомившего парижан с камерной немецкой музыкой, существование которой во Франции до этого игнорировали.

    Наряду с инструментальной музыкой развивается опера, рождается новая форма музыкального спектакля — комическая опера, предложившая музыкальным гурманам тонкую патетику.

    У истоков этого жанра были философы-эстетики, литераторы, драматурги. Они были недовольны некоторыми музыкальными жанрами и хотели дискуссий о музыке, подобных тем, что они вели о политике, науке, религии.

    Музыковеды считают, что по причине невежества этих людей в музыкальной области, «фрондерства и полемической глупости», постоянного противопоставления в спорах итальянской музыке французская музыка стала «опасно приторной», «попала в ловушку облегченности».

    Как считают серьезные музыковеды, во второй половине XVIII в. «Франция объявила войну национальной музыке». В подтверждение приводятся статьи из «Энциклопедии» Дидро и Даламбера, в которых говорится, что французская музыка ничего не значит, поскольку Рамо, французский композитор и теоретик, осмелился подчеркнуть ее независимость по отношению к литературе и итальянской музыке.

    . Европейское музыкальное искусство XIX в.

    Музыкальная жизнь Европы в XIX в. была насыщенной и разнообразной. Один перечень имен европейских композиторов первой величины занял бы несколько страниц. А. Адан, Л. ван Бетховен, В. Беллини, Г. Берлиоз, Ж. Бизе, Р. Вагнер, К.М. Вебер, Дж. Верди, Г. Доницетти, Л. Делиб, К. Дебюсси, Э. Лало, Р. Леонкавалло, Ф. Лист, П. Масканьи, Дж. Мейербер, Ж. Массне, Дж. Пуччини, Дж. Россини, М. Равель, С. Франк, Г. Форе, Р. Шуберт, Р. Шуман, И. Штраус-отец, Р. Штраус, Ф. Шопен.

    В XIX в. расширяется европейская география музыки, и достойное место среди итальянских, австрийских, французских композиторов занимает венгр Ференц Лист (1811 — 1886), гениальный пианист-виртуоз, создатель нового направления в пианизме и как пианист по сей день никем не превзойденный.

    Появление феномена Листа расширило содержание музыкальной эстетики. Стало очевидно, что в музыке, в отличие от изобразительного искусства, существуют и играют большую роль такие понятия, как исполнительство и интерпретация. В определенных условиях исполнитель превращается в соавтора композитора.

    Достойное место в музыкальном искусстве XIX в. занимает также польский композитор и блестящий пианист Фредерик Шопен (1810-1849), принесший польской музыке мировое признание. По сей день любимы вальсы Шопена, а его скерцо и прелюдии стали самостоятельными музыкальными произведениями. Его этюды из технических форм подготовки музыкантов превратились в самостоятельные завершенные музыкальные произведения. Особенно гениален его «Двенадцатый этюд», в котором техническое совершенство и глубина патриотических чувств сочетаются с характерным для всего творчества Шопена изяществом.

    Основными музыкальными центрами в Европе по-прежнему оставались Италия, Париж и Вена. И господствующие там музыкальные направления, как правило, были взаимоисключающими, в силу чего музыкальная жизнь века была не только разнообразной, но и напряженной.

    Прежде всего, в этот период музыка отставала от развития литературы и пластических искусств. Тогда как первые тридцать лет века изобилуют в Париже новыми поэтическими шедеврами, а оригинальность писателя В. Гюго и художника Э. Делакруа вызывает скандалы, музыкальный горизонт остается безоблачным и не обеспокоенным никакими новациями, никакой борьбой мнений.

    Публика ходит в оперу, чтобы поаплодировать тенору или сопрано и на неделю запастись легкими для запоминания мелодиями. Колоссальным успехом у зрителей пользуются оперы, авторы которых использовали музыкальную систему, созданную за десятилетия до них. А смелые концепции некоторых молодых композиторов не отвечают вкусам публики, рьяной сторонницы традиции. Наблюдается любопытное с точки зрения эстетики явление: музыкальная жизнь не совпадает с историей значительных музыкальных работ. Так, например, Г. Берлиоза и его «Фантастическую симфонию» меломаны игнорируют, а музыкальные критики оказываются неспособными своевременно увидеть гения. Молодому, романтически сориентированному поколению, не хватало музыкального воспитания, необходимого и достаточного для того, чтобы открыть подлинную оригинальность. Герои Бальзака и Стендаля на спектаклях падали в обморок от восторга, вызванного некоторыми пассажами и ариями Меербера и Россини, а оригинальность и глубину Берлиоза воспринять оказались не в состоянии.

    Безусловно, на такое поведение оказали влияние и взгляды Руссо, критиковавшего Рамо и прославлявшего Перголези, утверждавшего приоритет мелодии над симфонией.

    Спор между французской и итальянской музыкой в XIX в. не закончился. Его новая фаза началась в 1861 г. после представления в Парижской Опере «Тангейзер» Р. Вагнера.

    С этого момента в Париже начинается период музыкального эксперимента, покончивший с безраздельным владением вкусами публики и оперными сценами изысканной и легкой оперной мелодии.

    Р. Вагнер утвердил свою концепцию лирической драмы, основанной на синтезе поэзии и музыки. Вагнеровский эксперимент приводит к подчинению музыки и музыкального языка различным музыкальным школам.в. — это век совершенствования музыкальной оперной формы, развития ее все более органичной связи с текстом, но это и век совершенствования интерпретации музыкальных произведений, что было связано с совершенствованием исполнительского, дирижерского мастерства.

    Во Франции в XIX в. создаются три музыкальных направления, три самостоятельные музыкальные школы. Во главе первой из них был создатель современного оркестра Г. Берлиоз, второй-преобразователь всей системы гармонии С. Франк (1822- 1890), третьей — Г. Форе (1845-1924), при создании своей системы гармонии использовавший старые греческие и григорианские лады. Традиции итальянской оперы и итальянской музыки в XIX в. продолжил и поддержал Джузеппе Верди (1813-1901), широко использовавший в своем искусстве лейтмотив и арии, близкие к национальной интонационной основе. Его музыкальным оппонентом был Р. Вагнер, создатель тетралогии «Кольцо Нибелунгов». Вагнер отрицал многие оперные формы, в том числе, арии.

    Несмотря на свою специфику, на свой идеальный характер, в XIX в., как и в веке предыдущем, музыкальное искусство существовало в условиях напряженной полемики по профессиональным проблемам.

    Музыку XX в. характеризует «жадность» к новым средствам звукового выражения. Она черпает их повсюду: в архитектуре, живописи, поэзии, в звуках и шуме повседневной жизни.

    Но старый идеал «слияние искусств» для нее неприемлем. Она хочет сохранить чистоту своего вида. И ее заимствования всегда скорее походят на аннексию.

    Утверждаются новые эстетические идеи и на смену Вагнеру, Верди, Сен-Сансу приходит новое поколение музыкантов, тяготеющее к таким музыкальным направлениям, как веризм, символизм, импрессионизм и экспрессионизм. Выразителями новых музыкальных идей в начале века были французские композиторы Клод Дебюсси и Морис Равель, немецкий композитор Рихард Штраус, норвежский композитор Эдвард Григ и финский композитор Ян Сибелиус.

    Импрессионист в музыке Клод Дебюсси (1862-1918) создал множество поэтичных и изысканных произведений, из которых «Прелюдию к «Послеполуденному отдыху фавна»« музыковеды оценили как знаковое произведение музыки XX в.

    Первоначально «Прелюдия» была «ошикана» публикой. Объясняя причину такого приема, X. Ортега-и-Гассет, посвятивший «Прелюдии» специальную работу, расширил проблему до рассмотрения природы новой музыки по сравнению с музыкой классической, музыкой Бетховена и Мендельсона.

    В XX в. с изменением общей социокультурной ситуации у музыки расширилась аудитория. И если раньше аудиторией Бетховена была духовная элита, одного с композитором уровня образования и понимания, то в XX в. большой художник резко отличается от своей аудитории, его восприятие мира оказывается слишком сложным для слушателя, и последний его «ошикивает».

    Сравнивая восприятие публикой «Шестой симфонии» Бетховена и «Послеполуденного отдыха фавна» Дебюсси, Гассет отмечал, что в симфонии Бетховена и профессор, и коммерсант, и чиновник, и барышня узнают себя и свои чувства и потому испытывают благодарность к композитору, их выразившему. Иное дело «Послеполуденный отдых фавна», где композитор обращается к слушателям на языке чувств, которым они никогда не пользовались и который им непонятен. Нехудожник оказывается не в состоянии уловить расположение духа художника, ту «прихотливую траекторию», двигаясь по которой он играет своими художественными гранями. «Дебюсси описал лужайку, увиденную глазами художника, а не доброго буржуа».

    Одной из тенденций развития музыки XX в. был переход от экспрессионизма к неоклассицизму, нашедший свое выражение в творчестве Рихарда Штрауса (1864-1949), известного написанными в начале века в стиле экспрессионизма симфоническими поэмами «Дон Жуан», «Дон Кихот», «Тиль Уленшпигель», операми «Саломея», «Электра» и оперой моцартовского типа «Кавалер розы».

    Как и произведения Дебюсси, произведения Р. Штрауса в начале века принимались не с первого раза и вызывали сомнение даже у крупных специалистов-музыковедов, таких, как Р. Роллан. Экспрессионизм влиятельный в начале века в музыке, после Первой мировой войны развивается в двух направлениях: неоклассицизм, (музыка Р. Штрауса) и додекафонизм, представленный в творчестве А. Шёнберга (1874-1951), теоретика экспрессионизма и основоположника атональной музыки. После Первой мировой войны Шёнберг разработал двенадцатитоновую систему музыкальной композиции — додекафонию. В своих вокальных произведениях он заменил пение йотированным говором. Это нечто среднее между обычной речью и музыкальным речитативом. Для достижения желаемого звучания додека-фонисты использовали магнитные и электронные инструменты.

    Еще одним направлением стиля модерн в музыке XX в. был конструктивизм. По мнению конструктивистов, современный композитор-это техник, даже если он продолжает пребывать в своем мире эстетического вдохновения. Он думает как ученый, использует экспериментальный метод и воспринимает фортепьяно в качестве лабораторного инструмента, с помощью которого он создает предусмотренные мыслью всевозможные звуковые сочетания. Примером является сочетание нескольких независимых мелодических линий, «линеаризм». Представителем этого направления является Хиндемит (1895-1963), немецкий композитор, дирижер и теоретик, автор опер «Кардильяк», «Гармония мира», балетов, симфоний и камерных произведений.

    Конструктивизм отрицал эмоциональность в музыке. На основе этого принципа известный французский деятель культуры Кокто (1889-1963) объединил вокруг себя композиторов Д. Кюрея, Д. Мийо, А. Онеггера, Ж. Орит, Ф. Пуленка, Ж. Тайфыа. Это объединение в 1920 г. получило название «Шестеркам Сам Кокто, человек всесторонне одаренный — поэт, художниц, театральный режиссер, кинорежиссер, сценарист, романист был сторонником сюрреализма.

    Программную основу своей «Шестерки» Кокто определил как «простота». Музыка «Шестерки» включает такие сюрреалистические принципы, как использование традиций мюзик-холла, музыкального экзотического фольклора, приемов музыкального конструирования.

    «Шестерка» просуществовала до середины 30-х годов, а дальше каждый из композиторов пошел своим путем, радуя и возмущая слушателей своими необычайными сочинениями, такими, как опера-оратория А. Онеггера «Жанна ДАрк на костре», опера для одного исполнителя «Человеческий голос» Ф. Пуленка и др.

    Постепенно, по мере того как европейское сознание приходило в себя от перенесенных в результате Первой мировой войны потрясений, в западной музыке начинали все больше звучать природные мотивы. Это «Пасторальная симфония» Милье, «Летняя пастораль» Онеггера, «Поэма о лесе» Русселя (1869-1937) и др. Это возвращение к истокам, к первозданной гармонии мира, откуда первые цивилизации мира черпали богатство своего музыкального выражения, было свидетельством того, что музыкальный модернизм не был конечным пределом возможностей западной музыки. Подтверждением этого явилось творчество английского композитора Б. Бриттена (1913-1976), успешно сочетавшею в своем творчестве национальные музыкальные традиции, классические европейские традиции и современные музыкальные средства (оперы «Питер Граймс», «Сон в летнюю ночь»).

    Пришедший во второй половине XX в. в европейскую культуру стиль постмодернизма затронул и музыкальное искусство.

    Одним из его направлений было популярное искусство, вызывающая у аудитории экстаз своими неистовыми ритмами, экспрессией и эмоциональной атакой музыкантов. При исполнении такой музыки слушатели впадают в раж, ощущая свое сопричастие всеотрицающему коллективному бунту. Такая музыка родилась и процветала во второй половине 60-х годов, в первой период леворадикального движения в Европе, идеологом которого был Г. Маркузе (1898-1979).

    В этот период популярно было также сонорное направление в музыке, для представителей которого особенно важным является не высота звука, а тембр (окраска звука). В поисках новых музыкальных красок сторонники сонористики играли на тростях, на пиле, хлопали по деке, играли палочками по струнам рояля. Родоначальник сонорной музыки — польский композитор К. Пендерецкий. Российский композитор Альфред Шнитке (1934-1998) темы жизни и смерти, веры и скепсиса воплотил с помощью полистилистики, коллажа в своих симфониях, инструментальных концертах, сонатах.

    музыка эстетический искусство

    Заключение

    В музыкальном творчестве, если иметь в виду и его исполнительскую сторону, больше, чем в других видах первоначальных искусств, присутствует коллективность. Вот почему понятие фольклора ассоциируется, прежде всего, с музыкой, песней и стихами, также связанными с музыкальным началом.

    Музыкальную речь, состоящую из ряда интонационных единиц, можно рассматривать как образно-познавательную деятельность сознания, связанную с выражением звукообразов, звуко-идей. Эстетическое восприятие музыкальной интонации предполагает её сопряжённость с человеческой речью, а через неё и с человеческими мыслями и чувствами. Это обстоятельство позволяет воспринимать музыкальное отражение души и разума человека.

    Вторая сторона специфики восприятия и понимания музыкального образа состоит в особенностях его гносеологического статуса. У музыкального искусства есть объективная основа. Но лежит она не в натуралистическом воспроизведении эмоций, не в воссоздании звуковых картин предметного мира, не в перенесении акустических явлений в область музыкального мышления. Человек интонирует о мире и о себе с помощью исторически сложившихся средств музыкальной выразительности, часто называемых музыкальным языком. Интонируемая музыкальная мысль всегда обличена в форму музыкального языка и от этого превращается в художественный язык — особый язык человеческого общения.

    Менялась форма музыкальных произведений, тональная система, мелодия, гармония, оркестровка. Но, тем не менее, лучшее, что было создано в XIX, XX вв. и создается в XXI в. любимо и является ценностью.

    Список использованной литературы

    1.Астафьев Б. Музыкальная форма как процесс.- СПб.: Музыка, 2007 — 400 с.

    .Коган Л.Н. Всестороннее развитие личности и культура. — М.: Знание, 2006 — 225 с.

    .Тельчарова Р.А. Музыка и культура (личностный подход). — М.: Знание, 2007 — 279 с.

    ВВЕДЕНИЕ

    Одной из основных задач нашего общества,
    встающих перед системой современного
    образования, является формирование культуры
    личности. Актуальность этой задачи связана с
    пересмотром системы жизненных и художественно-эстетических
    ценностей. Формирование культуры подрастающего
    поколения невозможно без обращения к
    художественным ценностям накопленных обществом
    в процессе своего существования. Таким образом,
    становится очевидна необходимость изучения
    основ истории искусств.

    Для того чтобы наиболее полно понять искусство
    определенной эпохи необходимо ориентироваться в
    искусствоведческой терминологии. Знать и
    понимать суть каждого из видов искусств. Только в
    случае владения категориально-понятийной
    системой человек сможет наиболее полно осознать
    эстетическую ценность памятников искусства.

    КЛАССИФИКАЦИЯ ВИДОВ ИСКУССТВА

    Искусство (творческое отражение,
    воспроизведение действительности в
    художественных образах.) существует и
    развивается как система взаимосвязанных между
    собой видов, многообразие которых обусловлено
    многогранностью самого (реального мира,
    отображаемого в процессе художественного
    творчества.

    Виды искусства — это исторически сложившиеся,
    формы творческой деятельности, обладающие
    способностью художественной реализации
    жизненного содержания и различающиеся по
    способам ее материального воплощения (слово в
    литературе, звук в музыке, пластические и
    колористические материалы в изобразительном
    искусстве и т. д.).

    В современной искусствоведческой литературе
    сложились определенная схема и система
    классификации искусств, хотя единой до сих пор
    нет и все они относительны. Наиболее
    распространенной схемой является его деление на
    три группы.

    В первую — входят пространственные или
    пластические виды искусств. Для этой группы
    искусств существенным является
    пространственное построение в раскрытии
    художественного образа — Изобразительное
    искусство, Декоративно-прикладное искусство,
    Архитектура, Фотография.

    Ко второй группе относятся временные или
    динамические виды искусств. В них ключевое
    значение приобретает развертывающаяся во
    времени композиция — Музыка, Литература.
    Третью группу представляют пространственно-временные
    виды, которые называются также синтетическими
    или зрелищными искусствами — Хореография,
    Литература, Театральное искусство,
    Киноискусство.

    Существование различных видов искусств
    вызвано тем, что ни одно из них своими
    собственными средствами не может дать
    художественную всеобъемлющую картину мира.
    Такую картину может создать только вся
    художественная культура человечества в целом,
    состоящая из отдельных ви-дов искусства.

    ХАРАКТЕРИСТИКА ВИДОВ ИСКУССТВ

    АРХИТЕКТУРА

    Архитектура (греч. «architecton» — «мастер,
    строитель») — монументальный вид искусства,
    целью которого является создание сооружений и
    зданий, необходимых для жизни и деятельности
    человечества, отвечая утилитарным и духовным
    потребностям людей.

    Формы архитектурных сооружений зависят от
    географических и климатических условий, от
    характера ландшафта, интенсивности солнечного
    света, сейсмической безопасности и т. д.

    Архитектура теснее, чем другие искусства,
    связана с развитием производительных сил, с
    развитием техники. Архитектура способна
    объединяться с монументальной живописью,
    скульптурой, декоративным и другими видами
    искусства. Основа архитектурной композиции —
    объемно-пространственная структура,
    органическая взаимосвязь элементов здания или
    ансамбля зданий. Масштаб сооружения во многом
    определяет характер художественного образа, его
    монументальность или интимность.

    Архитектура не воспроизводит действительность
    непосредственно, она носит не изобразительный, а
    выразительный характер.

    ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

    Изобразительное искусство-группа видов
    художественного творчества, воспроизводящих
    визуально воспринятую действительность.
    Произведения искусства имеют предметную форму,
    не изменяющуюся во времени и пространстве. К
    изобразительному искусству относятся: живопись,
    графика, скульптура.

    ГРАФИКА

    Графика (в переводе с греческого — «пишу,
    рисую») — это, прежде всего рисунок и
    художественные печатные произведения (гравюра,
    литография). Она основана на возможностях
    создания выразительной художественной формы
    путем использования разных по окраске линий,
    штрихов и пятен, наносимых на поверхность листа.

    Графика предшествовала живописи. Вначале
    человек научился запечатлевать очертания и
    пластические формы предметов, потом различать и
    воспроизводить их цвета и оттенки. Овладение
    цветом было историческим процессом: не все цвета
    были освоены сразу.

    Специфика графики — линейные соотношения. Она,
    воспроизводя формы предметов, передает их
    освещенность, соотношение света и тени и т. д.
    Живопись запечатлевает реальные соотношения
    красок мира, в цвете и через цвет она выражает
    существо предметов, их эстетическую ценность,
    выверяет их общественное назначение, их
    соответствие или противоречие окружающему.

    В процессе исторического развития в рисунок и в
    печатную графику стал проникать цвет, и теперь
    уже к графике относят и рисунок цветными мелками
    — пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными
    красками -акварель и гуашь. В различной
    литературе по искусствознанию существуют
    различные точки мнения по поводу графики. В одних
    источниках: графика — это вид живописи, а в других
    — это отдельный подвид изобразительного
    искусства.

    ЖИВОПИСЬ

    Живопись — плоскостное изобразительное
    искусство, специфика которого заключается в
    представлении при помощи красок, нанесенных на
    поверхность изображение реального мира,
    преобразованных творческим воображением
    художника.

    Живопись подразделяется на:

    — монументальную — фреска (от итал. Fresco) —
    живопись по сырой штукатурке красками
    разведенными на воде и мозаика (от французского
    mosaiqe) изображение из цветных камней, смальты (Смальта
    — цветное прозрачное стекло.), керамических
    плиток.

    — станковую (от слова «станок») — полотно
    которое создается на мольберте.

    Живопись представлена разнообразными жанрами (Жанр
    (французское genre, от лат. genus, родительный падеж
    generis — род, вид) — художественное, исторически
    сложившееся внутреннее подразделение во всех
    видах искусства.):

    — Портрет — основная задача передать
    представление о внешнем облике человека,
    раскрыть внутренний мир человека, подчеркнуть
    его индивидуальность, психолого-эмоциональный
    образ.

    — Пейзаж — воспроизводит окружающий мир во всем
    многообразии его форм. Изображение морского
    пейзажа определяется термином маринизм.

    — Натюрморт — изображение предметов быта, орудий
    труда, цветов, фруктов. Помогает понять
    мировоззрение и уклад определенной эпохи.

    — Исторический жанр — рассказывает об
    исторически важных моментах жизни общества.

    — Бытовой жанр — отражает повседневную жизнь
    людей, нрав, обычаи, традиции того или иного
    этноса.

    — Иконопись (в переводе с греческого «молитвенный
    образ») — основная цель направить человека на
    путь преображения.

    -Анимализм — изображение животного, как
    главного героя художественного произведения.

    В XX в. характер живописи меняется под влиянием
    средств технического прогресса (появление фото-
    и видео аппаратуры), что приводит к появлению
    новых форм искусства — Мультимедийное искусство.

    СКУЛЬПТУРА

    Скульптура — пространственно — изобразительное
    искусство, ос-ваивающее мир в пластических
    образах.

    Основными материалами, применяемыми в
    скульптуре, являются камень, бронза, мрамор,
    дерево. На современном этапе развития общества,
    техногенного прогресса расширилось количество
    материалов, используемых для создания
    скульптуры: сталь, пластик, бетон и другие.

    Существует две основные разновидности
    скульптуры: объемная трехмерная (круговая) и
    рельеф:

    — горельеф — высокий рельеф,

    — барельеф — низкий рельеф,

    — контррельеф — врезной рельеф.

    По определению скульптура бывает
    монументальная, декоративная, станковая.

    Монументальная — используется для украшение
    улиц и площадей города, обозначения исторически
    важных мест, событий и т.п. К монументальной
    скульптуре относятся:

    — памятники,

    — монументы,

    — мемориалы.

    Станковая — рассчитана на осмотр с близко
    расстояния и предназначена для украшения
    внутренних помещений.

    Декоративная — используется для украшения быта
    (предметы мелкой пластики).

    ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО.

    Декоративно-прикладное искусство — вид
    творческой деятельности по созданию предметов
    быта, предназначенных для удовлетворения
    утилитарных и художественно-эстетических
    потребностей людей.

    К декоративно-прикладному искусству относятся
    изделия, выполняемые из разнообразных
    материалов и с помощью различных технологий.
    Материалом для предмета ДПИ может служить металл,
    дерево, глина, камень, кость. Весьма разнообразны
    технические и художественные приемы
    изготовления изделий: резьба, вышивка, роспись,
    чеканка и др. Основная характерная особенность
    предмета ДПИ — декоративность, заключающаяся в
    образности и стремлении украсить, сделать лучше,
    красивее.

    Декоративно-прикладное искусство имеет
    национальный характер. Так как происходит из
    обычаев, привычек, верований определенного
    этноса, приближено к укладу его быта.

    Важной составляющей декоративно — прикладного
    искусства являются народно-художественные
    промыслы — форма организации художественного
    труда, основанного на коллективном творчестве,
    развивающем культурную местную традицию и
    ориентированном на продажу промысловых изделий.

    Ключевая творческая идея традиционных
    промыслов — утверждение единства природного и
    человеческого мира.

    Основными народными промыслами России
    являются:

    — Резьба по дереву — Богородская, Абрамцево-кудринская;

    — Роспись по дереву — Хохломская, Городецкая,
    Полхов-Майданская, Мезенская;

    — Декорирование изделий из бересты — тиснение по
    бересте, роспись;

    — Художественная обработка камня — обработка
    камня твердой и мягкой породы;

    — Резьба по кости — Холмогорская, Тобольская.
    Хотьковская

    — Миниатюрная живопись на папье-маше —
    Федоскинская миниатюра, Палехская миниатюра,
    Мстерская миниатюра, Холуйская миниатюра

    — Художественная обработка металла —
    Великоустюжское черневое серебро, Ростовская
    финифть, Жостовская роспись по металлу;

    — Народная керамика — Гжельская керамика,
    Скопинская керамика, Дымковская игрушка,
    Каргопольская игрушка;

    — Кружевоплетение — Вологодское кружево,
    Михайловское кружево,

    — Роспись по ткани — Павловские платки и шали

    — Вышивка — Владимирская, Цветная перевить,
    Золотошвейная вышивка.

    ЛИТЕРАТУРА

    Литература — вид искусства, в котором
    материальным носителем образности является
    слово.

    В сферу литературы входят природные и
    общественные явления, различные социальные
    катаклизмы, духовная жизнь личности, ее чувства.
    В разных своих жанрах литература охватывает этот
    материал или через драматическое
    воспроизведение действия, или через эпическое
    повествование о событиях, или через лирическое
    самораскрытие внутреннего мира человека.

    Литература подразделяется на:

    — Художественную

    — Учебную

    — Историческую

    — Научную

    — Справочную

    Основными жанрами литературы являются:

    — Лирика — один из трех основных родов
    художественной литературы, отражает жизнь путем
    изображения разнообразных человеческих
    переживаний, особенность лирики стихотворная
    форма.

    — Драма — один из трех основных родов
    художественной литературы, сюжетное
    произведение написанное в разговорной форме и
    без авторской речи.

    — Эпос — повествовательная литература, один
    из трех основных родов художественной
    литературы, включает в себя:

    — Эпопея — крупное произведение эпического
    жанра.

    — Новелла — повествовательный прозаический
    (гораздо реже — стихотворный) жанр литературы,
    представляющий малую повествовательную форму.

    — Повесть (рассказ) — литературный жанр,
    который отличается менее значительным объемом,
    меньшим количеством фигур, жизненным
    содержанием и широтой

    — Рассказ — Эпическое произведение
    небольших размеров, которое отличается от
    новеллы большей распространенностью и
    произвольностью композиции.

    — Роман — большое повествовательное
    произведение в прозе, иногда в стихах.

    — Баллада — лирико-эпическое стихотворное
    сюжетное произведение, написанное строфами.

    — Поэма — сюжетное литературное
    произведение лирико-эпического характера в
    стихах.

    Специфика литературы есть явление
    историческое, все элементы и составные части
    литературного произведения и литературного
    процесса, все особенности литературы находятся в
    постоянном изменении. Литература — живая,
    подвижная идейно-художественная система, чутко
    реагирующая на изменения жизни.
    Предшественником литературы является устное
    народное творчество.

    МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

    Музыка — (от греч. musike — букв. — искусство муз), вид
    искусства, в котором средством воплощения
    художественных образов служат определенным
    образом организованные музыкальные звуки.
    Основные элементы и выразительные средства
    музыки — лад, ритм, метр, темп, громкостная
    динамика, тембр, мелодия, гармония, полифония,
    инструментовка. Музыка фиксируется в нотной
    записи и реализуется в процессе исполнения.

    Принято разделение музыки на светскую и
    духовную. Основная область духовной музыки —
    культовая. С европейской культовой музыкой (обычно
    называемой церковной) связано развитие
    европейской музыкальной теории нотного письма,
    музыкальной педагогики. По исполнительским
    средствам музыка подразделяется на вокальную (пение),
    инструментальную и вокально-инструментальную.
    Музыка нередко соединяется с хореографией,
    театральным искусством, кино. Различают музыку
    одноголосную (монодия) и многоголосную (гомофония,
    полифония). Музыка подразделяется:

    — на роды и виды — театральная (опера, и т. п.),
    симфоническая, камерная и др.;

    — на жанры — песня, хорал, танец, марш, симфония,
    сюита, соната и др.

    Музыкальным произведениям свойственны
    определенные, относительно устойчивые типичные
    структуры. Музыка использует, в качестве
    средства воплощения действительности и
    человеческих чувств, звуковые образы.

    Музыка в звуковых образах обобщенно выражает
    существенные процессы жизни. Эмоциональное
    переживание и окрашенная чувством идея,
    выражаемые через звуки особого рода, в основе
    которых лежат интонации человеческой речи, —
    такова природа музыкального образа.

    ХОРЕОГРАФИЯ

    Хореография (гр. Choreia — пляска+ grapho — пишу) — вид
    искусства, материалом которого являются
    движения и позы человеческого тела, поэтически
    осмысленные, организованные во времени и
    пространстве, составляющие художественную
    систему.

    Танец взаимодействует с музыкой, вместе с ней
    образуя музыкально-хореографический образ. В
    этом союзе каждый компонент зависит от другого:
    музыка диктует танцу собственные закономерности
    и одновременно испытывает воздействие со
    стороны танца. В ряде случаев танец может
    исполняться без музыки — в сопровождении хлопков,
    выстукивание каблуками и т. п.

    Истоками танца стали: имитация трудовых
    процессов; ритуальные торжества и обряды,
    пластическая сторона которых имела определенную
    регламентацию и семантику; пляска стихийно
    выражающая в движениях в движениях кульминацию
    эмоционального состояния человека.

    Танец всегда, во все времена, был связан с
    жизнью и бытом людей. Поэтом каждый танец
    отвечает характеру, духу того народа, у которого
    он зародился.

    ТЕАТРАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

    Театр — вид искусства, художественно
    осваивающий мир через драматическое действие,
    осуществляемое творческим коллективом.

    Основа театра — драматургия. Синтетичность
    театрального искусства определяет его
    коллективный характер: в спектакле объединяются
    творческие усилия драматурга, режиссера,
    художника, композитора, хореографа, актера.

    Театральные постановки подразделяются по
    жанрам:

    — Драма;

    — Трагедия;

    — Комедия;

    — Мюзикл и т.д.

    Театральное искусство уходит своими корнями в
    глубокую древность. Его важнейшие элементы
    существовали уже в первобытных обрядах, в
    тотемических плясках, в копировании повадок
    животных и т. д.

    ФОТОИСКУССТВО.

    Фотография (гр. Phos (photos) свет+ grafo пишу) —
    искусство, воспроизводящее на плоскости,
    посредством линий и теней, самым совершенным
    образом и без возможностей ошибки, контур и форму
    передаваемого ею предмета.

    Специфическая особенность фотоискусства
    органическое взаимодействие в нем творческого и
    технологического процессов. Фотоискусство
    сложилось на рубеже ХIХ-ХХ веков в результате
    взаимодействия художественной мысли и прогресса
    фотографической науки и техники. Его
    возникновение было исторически подготовлено
    развитием живописи, ориентировавшейся на
    зеркальное точное изображение видимого мира и
    использовавшей для достижения этой цели
    открытия геометрической оптики (перспектива) и
    оптические приборы (камера — обскура).

    Специфика фотоискусства состоит в том, что оно
    дает изобра-зительный образ документального
    значения.

    Фотография дает образ художественно
    выразительный и с достоверностью запечатляющий
    в застывшем изображении существенный момент
    действительности.

    Жизненные факты в фотографии почти без
    дополнительной об-работки переносятся из сферы
    действительности в сферу художественную.

    КИНОИСКУССТВО

    Кино — искусство воспроизведения на экране
    запечатленных на пленку движущихся изображений,
    создающих впечатление живой действительности.
    Кино изобретение XX в. Его появление определено
    достижениями науки и техники в области оптики,
    электротехники и фототехники, химии, и т. д.

    Кино передает динамику эпохи; работая временем
    как средством выразительности, кино способно
    передать смену различных событий в их внутренней
    логике.

    Кино это синтетическое искусство в него
    включены органические элементы такие как,
    литература (сценарий, песни), живопись (мультфильм,
    декорации в художественном фильме), театральное
    искусство (игра актеров), музыка, которая служит
    средством дополнения зрительного образа.

    Кино можно условно подразделить на научно-документальное
    и художественное.

    Определены также жанры кино:

    — драма,

    — трагедия,

    — фантастика,

    — комедия,

    — историческое и т.д.

    ЗАКЛЮЧЕНИЕ

    Культура играет особую роль в
    совершенствовании личности, в формировании её
    индивидуальной картины мира, ибо в ней
    аккумулирован весь эмоционально-нравственный и
    оценочный опыт Человечества.

    Проблема художественно-эстетического
    воспитания в формировании ценностных ориентаций
    подрастающего поколения стала объектом внимания
    социологов, философов, теоретиков культуры,
    искусствоведов. Данное учебно-справочное
    пособие является небольшим дополнением к
    огромному пласту учебного материала касаемого
    сферы искусства. Автор выражает надежду, что он
    послужит хорошим подспорьем для студентов,
    учащихся и всех кому небезразлично искусство.

    Альфред Шнитке

    Гамбург, Вена, Загреб, Будапешт, Лондон, Амстердам – география городов, в которых состоялись премьеры произведений Альфреда Шнитке, включает в себя всю Европу. Он был одним из немногих советских композиторов, чьи произведения практически в равной мере исполнялись как на родине, так и за рубежом. Это связано и с его многогранным талантом, уникальным авторским стилем, возникшим в перекличке с музыкой Малера, Брукнера, Шостаковича, и с его многонациональной и мультикультурной личностью.

    Краткая биография Шнитке

    %D1%88%D0%BD%D0%B8%D1%82%D0%BA%D0%B5%206Альфред Гарриевич Шнитке родился 24 ноября 1934 года в Энгельсе. Его родители имели немецкие корни, и именно немецкий стал первым языком мальчика. Обучение музыки для него началось в 12-летнем возрасте в Вене, где его отец работал собкором одной из газет. В 15 лет Альфред поступает в Московское музыкальное училище на дирижерско-хоровое отделение. К этому периоду относятся и первые попытки писать музыку. Биография Шнитке гласит, что в 1953 он становится студентом Московской консерватории, где заканчивает и основной курс, и аспирантуру. С 1961 по 1972 год Шнитке преподавал в альма-матер инструментовку.

    У композитора было два брака. Со своей второй супругой, Ириной Федоровной Катаевой, он познакомился, когда она пришла брать у него уроки фортепиано для поступления в Институт им. Гнесиных. В 1961 году они поженились, в 1965 у пары родился сын Андрей. В 1986 он получил Госпремию РСФСР, год спустя – звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1990 году композитор по приглашению уехал работать в Германию, где начал преподавание в Гамбургской высшей школе музыки, сотрудничал с оперными и балетными труппами.

    Из-за последовавшего инсульта и нестабильной ситуации в России он решил принять германское гражданство. С 1994 года, после очередного инсульта, его наполовину парализовало. Специально для него было создано устройство, которое помогало записывать музыку левой рукой. В этом состоянии композитор написал Девятую симфонию. 3 августа 1998 года Альфреда Шнитке не стало. Похоронен композитор в Москве.

    Интересные факты о Шнитке

    Музыка Шнитке нравилась далеко не всем. Однажды в Воронеже должен был исполняться его Второй скрипичный концерт. Накануне его отменили, распространив недостоверную информацию о болезни исполнителя. В вечер концерта скрипач и дирижер во фраках встали возле концертного зала, чтобы зрители видели, что выступление не состоялось по идейным соображениям.

    Несмотря на то, что А. Шнитке является композитором фильма «Белорусский вокзал», главная песня «Нам нужна одна победа» написана Б. Окуджавой. Шнитке принадлежит ее аранжировка и идея включения в финальный эпизод картины.

    Одним из самых известных почитателей творчества Шнитке является балетмейстер Джон Ноймайер. На музыку композитора он поставил балеты «Трамвай «Желание» и «Отелло». После личного знакомства в 1985 году хореограф заказал Шнитке балет «Пер Гюнт», премьера которого состоялась в Гамбурге 22 января 1989 года, вторая редакция увидела свет в 2015 году. В 2001 году в память о композиторе Ноймайер поставил на его музыку в Мариинском театре балет «Звуки пустых страниц».

    Согласно биографии Шнитке, в 1965 году композитор специально для выступления своей жены Ирины на концерте современной музыки в Институте им. Гнесиных написал «Вариации на один аккорд».

    В 1977 году в Парижскую оперу была приглашена советская творческая команда для постановки «Пиковой дамы» П.И. Чайковского – режиссер Ю. Любимов, художник Д. Боровский, композитор А. Шнитке. Был предложен совершенно новый взгляд на оперу, с включением в нее пушкинских цитат и редакцией либретто и партитуры. В советской прессе разразился скандал после разгромной статьи дирижера Большого театра А. Жюрайтиса. Любимова не выпустили из страны на генеральную репетицию, руководство театра отказалось от спектакля. «Пиковая дама» в версии Любимова-Шнитке была поставлена в 1990 году в Карлсруэ, в 1993 году – в Бостоне, а в 1997 – в Москве.

    Одним из главных популяризаторов музыки Шнитке является Юрий Башмет. В 1986 году он стал первым исполнителем Концерта для альта с оркестром, под его управлением в России впервые прозвучала Девятая симфония.

    Композиторы-современники по-разному относились к творчеству Шнитке. Его единомышленниками были С. Губайдулина и Э. Денисов. Радикально отрицательно высказывался о музыке Шнитке Г. Свиридов, положительно – Р. Щедрин, Д. Шостакович.

    Любимым композитором Шнитке был И.С. Бах.

    Училище, студентом хорового отделения которого был Альфред Гарриевич, с 1999 года называется Московский государственный институт музыки им А.Г. Шнитке. Согласие на присвоение институту его имени композитор дал лично. В 1998 на базе учебного заведения образован Шнитке-центр, а в 2000 году – открыт единственный в мире музей композитора.
    Супруга композитора охарактеризовала его, как идеального человека и мужа – доброго, справедливого, честного и заботливого.

    Творчество Шнитке

    %D1%88%D0%BD%D0%B8%D1%82%D0%BA%D0%B5%202Альфред Шнитке оставил после себя поистине объемное наследие – оперы и балеты, 9 симфоний, два десятка концертов, музыка к спектаклям и кинофильмам, камерные и вокальные произведения. Основные темы его творчества связаны с человеком – его переживаниями, эмоциями, поисками себя. Композитор считал, что трагическое и смешное неразрывны в нашей жизни, и это находило отражение в его музыке. Его неповторимый творческий стиль сформировался в середине 60-х.

    Шнитке одним из первых в Советском Союзе стал использовать метод алеаторики, дающий интерпретаторам большие возможности для импровизаций. Таким произведением стала Первая симфония (1974). Она посвящена дирижеру Г. Рождественскому — её первому исполнителю. Несмотря на то, что произведение имело все необходимые согласования, центральные филармонии страны – московская, ленинградская, не решились представить столь радикальную музыку. Симфония была впервые сыграна в Нижнем Новгороде. В 1972 на Всесоюзном конкурсе балета состоялась премьера первого балета композитора, «Лабиринты». Идея, либретто и хореография произведения принадлежали В. Васильеву.

    В 70-е Шнитке ввел в музыкальный обиход термин «полистилистика». Он начал повсеместно применять этот принцип, сводя в одном произведении несочетаемые эстетики – Баха и нововенскую школу, Глинку и Вагнера. Из биографии Шнитке мы узнаём, что в 1972 году в память о скончавшейся матери композитор пишет Фортепианный квинтет, из него к 1975 году вырастает «Реквием. В 1977 композитор открыл цикл Concerto Grosso. Автор обособил эти концерты идеей непротивостоящего оркестру солиста. Музыка полистилистического Concerto Grosso №1 много раз использовалась автором для создания мелодий к фильмам.

    В этот период Шнитке обращается к музыкальным истокам, народной, духовной песне. Так рождается «Der Sonnengesang des Franz von Assisi» на тексты Франциска Ассизского, «Миннезанг» для 52 хористов, основанный на поэзии средневековых немецких рыцарей. Вторая симфония родилась под впечатлением от посещения австрийского монастыря Сан-Флориан, в котором похоронен А. Брукнер. Католическая «невидимая месса», услышанная Шнитке там, предопределила характер и форму этой «симфонии на хоровом фоне». Третья симфония была написана на основе немецкой музыки, а Четвертая явилась воплощением грандиозного замысла, объединяющего религии. Шнитке музыкальными средствами описал принцип «Бог един», включив в музыку интонации православного, католического, протестантского и синагогального пения.

    В 1983 году появляется кантата «История доктора Иоганна Фауста». Идею написать музыку к произведению Гёте композитор вынашивал несколько лет. Он отказался от создания оперы, поскольку считал, что тогда музыка вступит в противоречие с литературным первоисточником. В основе кантаты лежат последние главы И. Шписа «Народная книга». Тем не менее 11 лет спустя опера «История доктора Иоганна Фауста» все же была написана, а кантата включена в ее третий акт. Концерт № 1 для виолончели с оркестром 1986 года стал первым произведением, созданным композитором после болезни. По плану в Концерте должно было быть другое окончание, но Шнитке дописал финальную мелодию и усилил звучание виолончели микрофоном. Симфония №5 и Concerto grosso №4 (1987) стали одним произведением, в котором эти два знаковых для Шнитке жанра соединились сквозь призму авторского взгляда на музыку Г. Малера. В это десятилетие были созданы значительные хоровые произведения: Три хора по православным молитвам (1984), Концерт для смешанного хора на стихи Г. Нарекаци (1985), «Стихи покаянные» (1987).

    В 90-е годы были написаны четыре симфонии, включая последнюю, Девятую, две фортепианные сонаты, оперы «Жизнь с идиотом» и «Джезуальдо» по заказам Амстердамской и Гамбургской опер, Concerti Grossi №5 и №6.

    Чужой среди своих

    %D1%88%D0%BD%D0%B8%D1%82%D0%BA%D0%B5%205«Я, немецкий композитор из России…» — именно так назван биографический фильм об Альфреде Шнитке, вышедший в 1990 году. Полу-немец, полу-еврей, родившийся в Поволжье, в семье которого говорили исключительно по-немецки. Кем себя ощущал композитор?

    Отец его, Гарри Викторович, несмотря на немецкую фамилию, был по национальности евреем, родился во Франкфурте-на-Майне, а в 12 лет с родителями переехал в СССР. С 1930 года семья обосновалась в Покровске (Энгельсе), где проживала большая община поволжских немцев. Там он познакомился с будущей матерью композитора – Марией Иосифовной Фогель, этнической немкой, мать которой вообще не знала русского языка. С отцом Альфред говорил по-русски, с матерью – по-немецки. В 16 лет при получении паспорта в графе «национальность» он написал «еврей».

    Сам композитор признавался, что до конца не чувствовал себя ни немцем – поскольку родился и большую часть жизни прожил в России, ни евреем – поскольку не говорил на идише, ни русским – поскольку в нем не было ни капли русской крови. Несмотря на логичность завершения пути в Германии, она оказалась его последним домом по воле случая. В 1989 году Шнитке пригласили в Гамбург поработать, он уехал вместе с супругой. В 1991 году туда же перебралась семья его сына. Первоначально планировалось, что после нескольких лет работы супруги Шнитке вернутся в Москву, однако два инсульта композитора не позволили этого сделать – ему требовалось постоянное наблюдение врачей. Его семья живет в Германии и сегодня.

    Проклятие Девятой симфонии

    %D1%88%D0%BD%D0%B8%D1%82%D0%BA%D0%B5%203Бетховен, Шуберт, Дворжак, Брукнер, Малер… Этих музыкантов объединяет проклятие Девятой симфонии – для всех них она стала последней. Как и для Альфреда Шнитке. Он писал ее уже глубоко больным, левой рукой, поскольку правая сторона тела была парализована, а сам он почти не мог говорить, поэтому нотная запись требовала расшифровки и доработки. Премьера сочинения, интерпретированного и исполненного Г. Рождественским, состоялась в Москве 19 июня 1998 года. Шнитке, увидев отредактированную партитуру и услышав запись с концерта, был чрезвычайно огорчен результатом и запретил к исполнению эту редакцию. Так закончилось не только многолетнее сотрудничество – Шнитке написал для Рождественского более 30 произведений, но и дружба композитора и дирижера. Родные Шнитке считают даже, что именно эти переживания послужили причиной его скорой кончины.

    Ирина Федоровна попросила Н.С. Корндорфа воссоздать симфонию по партитуре мужа, но в процессе работы композитор трагически погиб. Затем она обратилась к А. Раскатову. Премьера его редакции состоялась 16 июня 2007 года.

    Однако истинно мистическим произведением в жизни композитора стала не Девятая симфония, а «История доктора Иоганна Фауста». После окончания кантаты его сразил первый инсульт, а после окончания оперы – последний, от которого он уже не оправился.

    Музыка Шнитке в кино

    %D1%88%D0%BD%D0%B8%D1%82%D0%BA%D0%B5%207Советский кинематограф невозможно представить без фильмов, в которых звучит музыка Шнитке. Между 1961 и 1984 годами им была написана музыка к более чем 60 картинам. Среди них:

    «Мертвые души» (1984) и «Маленькие трагедии» (1979) М. Швейцера,
    «Фантазии Фарятьева» (1979) И. Авербаха,
    «Сказка странствий» (1983), «Экипаж» (1979) и «Сказ про то, как царь Петр арапа женил» (1976) А. Митты,
    «Прощание» и «Агония» (1981) Э. Климова,
    «Восхождение» (1976) Л. Шепитько,
    «Горячий снег» (1972) Г. Егиазарова,
    «Белорусский вокзал» (1971) А. Смирнова,
    «Дядя Ваня» (1970) А. Кончаловского,
    «Комиссар» (1967) А. Аскольдова,
    «Вызываем огонь на себя» (1964) С. Колосова.

    Зарубежные кинофильмы также не раз использовали музыку Шнитке:

    «Лобстер», 2015
    «Остров проклятых», 2010
    «Куда приводят мечты», 1998

    Музыку одного из последних выдающихся композиторов 20 века в полной мере открывает век 21. Время показывает неиссякаемый интерес исследователей и слушателей к его творчеству, включая малоизвестные и ранее неизданные сочинения.

    https://ria.ru/20220106/skryabin-1766156085.html

    Биография Александра Скрябина

    Биография Александра Скрябина — РИА Новости, 06.01.2022

    Биография Александра Скрябина

    Русский композитор и пианист Александр Николаевич Скрябин родился 6 января 1872 года (25 декабря 1871 года по старому стилю) в Москве. РИА Новости, 06.01.2022

    2022-01-06T01:05

    2022-01-06T01:05

    2022-01-06T01:05

    справки

    москва

    александр скрябин

    /html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

    /html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

    https://cdnn21.img.ria.ru/images/07e5/0c/1e/1766163836_0:188:2048:1340_1920x0_80_0_0_b7dc00415d58601b714073e10cd79242.jpg

    Русский композитор и пианист Александр Николаевич Скрябин родился 6 января 1872 года (25 декабря 1871 года по старому стилю) в Москве.Его семья происходила из старинного дворянского рода. Отец служил дипломатом в Турции. Мать – Любовь Щетинина (1849-1873) – была пианисткой, окончила Петербургскую консерваторию у польского пианиста Теодора Лешетицкого. Умерла от туберкулеза, когда сыну не было и полутора лет. Скрябин воспитывался тетей, увлекшей его игрой на фортепиано. В пять лет он воспроизводил на инструменте не только мелодии, но и однажды услышанные несложные пьесы, в восемь начал сочинять музыку, писал стихи и многоактные трагедии.С 1882 года Александр Скрябин обучался во Втором московском кадетском корпусе. Брал уроки фортепиано у Георгия Конюса и Николая Зверева, изучал теорию музыки под руководством Сергея Танеева, выступал в концертах.В 1888 году, за год до окончания кадетского корпуса, поступил в Московскую консерваторию по двум специальностям: «фортепиано» и «свободное сочинение».В 1892 году окончил консерваторию с малой золотой медалью по классу фортепиано, получив на выпускном экзамене «пять с плюсом». Скрябин не получил разрешения сдать экзамен на диплом композитора, хотя ко времени поступления в консерваторию он был автором свыше 70-ти сочинений.После окончания Московской консерватории из-за болезни правой руки Александр Скрябин пережил тяжелый период, из которого ему помог выйти известный петербургский меценат Митрофан Беляев (был издателем и пропагандистом музыки композитора), отправив его 1896 году в турне по Европе.В 1898-1904 годах Скрябин преподавал специальное фортепиано в Московской консерватории. Он одним из первых нарушил традицию обучения молодых пианистов на инструктивно-педагогическом материале. В зависимости от технических возможностей, он подбирал для них высокохудожественный репертуар.Педагогическую деятельность совмещал с композиторским творчеством. Увлекался сочинениями поэтов-символистов. Особое влияние на Скрябина оказала философия Владимира Соловьева, а также Сергея Трубецкого, с которым он дружил. Посещал философские кружки и литературные диспуты, что привело его к рождению собственной философско-художественной концепции «духа творящего», отраженной в Третьей симфонии «Божественная поэма» (1903-1904), «Поэме экстаза» (1905-1907), «Прометее» (1911), фортепианных произведениях. Позднее, под влиянием учения Елены Блаватской,Скрябин увлекся восточными религиозными учениями и пришел к идее синтеза музыки и других видов искусства, возрождающего жанр древней мистерии.В 1904-1909 годах Скрябин жил за границей, давал концерты в Америке с оркестром под управлением известного венгерского дирижера Артура Никиша. В 1909 году триумфально выступил в Москве. В 1910 году Скрябин окончательно вернулся на родину.Последние годы жизни посвятил в основном фортепианным сочинениям. Поздние произведения Скрябина – сонаты №№ 7-10, фортепьянные поэмы «Маска», «Странность», «К пламени» так или иначе связаны с идеями «мистерии». Тогда же он сформировал новую систему музыкального мышления, получившую развитие в искусстве ХХ веке.Скрябин – первый композитор, использовавший цвето- и светомузыку при создании произведений, создавшим таблицу соответствия цветов определенным тональностям.В 1910 году Сергей Прокофьев посвятил Скрябину симфоническую поэму «Сны».В том же году для симфонического оркестра расширенного состава, фортепиано, органа, хора и света Скрябин написал «Поэму огня» («Прометей») – одно из самых значительных своих творений. Впервые она была исполнена в 1911 году в Петербурге, партию фортепиано исполнял автор.В 1914 году Скрябин давал концерты в пользу пострадавших от начавшейся Первой мировой войны. В числе сочинений композитора – концерт для фортепиано с оркестром (1896-1897), три симфонии, две симфонические поэмы, 10 сонат, 91 прелюдия и др.27 апреля (14 апреля по старому стилю) 1915 года Александр Скрябин скоропостижно скончался в Москве от заражения крови.В 1916 году на доме Скрябина была установлена мемориальная доска.В 1922 году в квартире, где композитор жил с 1912 года до своей смерти, был открыт Музей Скрябина. Одна из старейших детских музыкальных школ Москвы – «Детская музыкальная школа имени А.Н. Скрябина» – с 1992 года носит имя композитора.В 2020 году бюст Скрябина был установлен в Московской консерватории.Композитор был женат на пианистке Вере Исакович. В браке были рождены четверо детей, двое из них скончались в детском возрасте. Старшая дочь композитора Елена Скрябина (1900-1990) стала женой пианиста Владимира Софроницкого. Младшая дочь Мария Скрябина (1901-1989) была актрисой. Второй женой Александра Скрябина стала Татьяна Шлецер, племянница пианиста Павла Шлецера. В этом союзе родилось трое детей. Сын Юлиан Скрябин (1908-1919), был многообещающим композитором, но трагически погиб. Старшая дочь Ариадна Скрябина (1905-1944) во время фашистской оккупации была бойцом французского Сопротивления, погибла незадолго до освобождения страны. Младшая дочь Марина Скрябина (1911-1998) – французский музыковед и композитор. Сестра композитора Ксения Скрябина – мать известного проповедника и мыслителя митрополита Сурожского Антония (1914-2003). В 2022 году в Москве пройдет первый международный музыкальный фестиваль А. Н. Скрябина, приуроченный к 150-летию со дня его рождения. Материал подготовлен на основе информации РИА Новости и открытых источников

    москва

    РИА Новости

    internet-group@rian.ru

    7 495 645-6601

    ФГУП МИА «Россия сегодня»

    https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

    2022

    РИА Новости

    internet-group@rian.ru

    7 495 645-6601

    ФГУП МИА «Россия сегодня»

    https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

    Новости

    ru-RU

    https://ria.ru/docs/about/copyright.html

    https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

    РИА Новости

    internet-group@rian.ru

    7 495 645-6601

    ФГУП МИА «Россия сегодня»

    https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

    https://cdnn21.img.ria.ru/images/07e5/0c/1e/1766163836_0:0:2048:1536_1920x0_80_0_0_75a895c8fae8f55f838d98a08548e4c3.jpg

    РИА Новости

    internet-group@rian.ru

    7 495 645-6601

    ФГУП МИА «Россия сегодня»

    https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

    справки, москва, александр скрябин

    Русский композитор и пианист Александр Николаевич Скрябин родился 6 января 1872 года (25 декабря 1871 года по старому стилю) в Москве.

    Его семья происходила из старинного дворянского рода. Отец служил дипломатом в Турции. Мать – Любовь Щетинина (1849-1873) – была пианисткой, окончила Петербургскую консерваторию у польского пианиста Теодора Лешетицкого. Умерла от туберкулеза, когда сыну не было и полутора лет. Скрябин воспитывался тетей, увлекшей его игрой на фортепиано. В пять лет он воспроизводил на инструменте не только мелодии, но и однажды услышанные несложные пьесы, в восемь начал сочинять музыку, писал стихи и многоактные трагедии.

    С 1882 года Александр Скрябин обучался во Втором московском кадетском корпусе. Брал уроки фортепиано у Георгия Конюса и Николая Зверева, изучал теорию музыки под руководством Сергея Танеева, выступал в концертах.
    В 1888 году, за год до окончания кадетского корпуса, поступил в Московскую консерваторию по двум специальностям: «фортепиано» и «свободное сочинение».

    В 1892 году окончил консерваторию с малой золотой медалью по классу фортепиано, получив на выпускном экзамене «пять с плюсом». Скрябин не получил разрешения сдать экзамен на диплом композитора, хотя ко времени поступления в консерваторию он был автором свыше 70-ти сочинений.

    После окончания Московской консерватории из-за болезни правой руки Александр Скрябин пережил тяжелый период, из которого ему помог выйти известный петербургский меценат Митрофан Беляев (был издателем и пропагандистом музыки композитора), отправив его 1896 году в турне по Европе.

    В 1898-1904 годах Скрябин преподавал специальное фортепиано в Московской консерватории. Он одним из первых нарушил традицию обучения молодых пианистов на инструктивно-педагогическом материале. В зависимости от технических возможностей, он подбирал для них высокохудожественный репертуар.

    Педагогическую деятельность совмещал с композиторским творчеством. Увлекался сочинениями поэтов-символистов. Особое влияние на Скрябина оказала философия Владимира Соловьева, а также Сергея Трубецкого, с которым он дружил. Посещал философские кружки и литературные диспуты, что привело его к рождению собственной философско-художественной концепции «духа творящего», отраженной в Третьей симфонии «Божественная поэма» (1903-1904), «Поэме экстаза» (1905-1907), «Прометее» (1911), фортепианных произведениях. Позднее, под влиянием учения Елены Блаватской,

    Скрябин увлекся восточными религиозными учениями и пришел к идее синтеза музыки и других видов искусства, возрождающего жанр древней мистерии.

    В 1904-1909 годах Скрябин жил за границей, давал концерты в Америке с оркестром под управлением известного венгерского дирижера Артура Никиша. В 1909 году триумфально выступил в Москве. В 1910 году Скрябин окончательно вернулся на родину.

    Последние годы жизни посвятил в основном фортепианным сочинениям. Поздние произведения Скрябина – сонаты №№ 7-10, фортепьянные поэмы «Маска», «Странность», «К пламени» так или иначе связаны с идеями «мистерии». Тогда же он сформировал новую систему музыкального мышления, получившую развитие в искусстве ХХ веке.

    Скрябин – первый композитор, использовавший цвето- и светомузыку при создании произведений, создавшим таблицу соответствия цветов определенным тональностям.

    В 1910 году Сергей Прокофьев посвятил Скрябину симфоническую поэму «Сны».

    В том же году для симфонического оркестра расширенного состава, фортепиано, органа, хора и света Скрябин написал «Поэму огня» («Прометей») – одно из самых значительных своих творений. Впервые она была исполнена в 1911 году в Петербурге, партию фортепиано исполнял автор.

    В 1914 году Скрябин давал концерты в пользу пострадавших от начавшейся Первой мировой войны.

    В числе сочинений композитора – концерт для фортепиано с оркестром (1896-1897), три симфонии, две симфонические поэмы, 10 сонат, 91 прелюдия и др.

    27 апреля (14 апреля по старому стилю) 1915 года Александр Скрябин скоропостижно скончался в Москве от заражения крови.

    В 1916 году на доме Скрябина была установлена мемориальная доска.

    В 1922 году в квартире, где композитор жил с 1912 года до своей смерти, был открыт Музей Скрябина.

    Одна из старейших детских музыкальных школ Москвы – «Детская музыкальная школа имени А.Н. Скрябина» – с 1992 года носит имя композитора.

    В 2020 году бюст Скрябина был установлен в Московской консерватории.

    Композитор был женат на пианистке Вере Исакович. В браке были рождены четверо детей, двое из них скончались в детском возрасте. Старшая дочь композитора Елена Скрябина (1900-1990) стала женой пианиста Владимира Софроницкого.

    Младшая дочь Мария Скрябина (1901-1989) была актрисой.

    Второй женой Александра Скрябина стала Татьяна Шлецер, племянница пианиста Павла Шлецера. В этом союзе родилось трое детей. Сын Юлиан Скрябин (1908-1919), был многообещающим композитором, но трагически погиб. Старшая дочь Ариадна Скрябина (1905-1944) во время фашистской оккупации была бойцом французского Сопротивления, погибла незадолго до освобождения страны. Младшая дочь Марина Скрябина (1911-1998) – французский музыковед и композитор.

    Сестра композитора Ксения Скрябина – мать известного проповедника и мыслителя митрополита Сурожского Антония (1914-2003).

    В 2022 году в Москве пройдет первый международный музыкальный фестиваль А. Н. Скрябина, приуроченный к 150-летию со дня его рождения.

    Материал подготовлен на основе информации РИА Новости и открытых источников


    Adblock
    detector